I fotografi (quelli veri) conoscono bene regole e schemi per la composizione di una scena, ma sappiamo tutti che dentro un ambiente virtuale come Second Life è spesso difficile poter spostare o rezzare oggetti per ottenere un buon equilibrio compositivo.
I fotografi dilettanti come me, invece, devono inventarsi lo scatto, nel senso di arrangiarsi con quello che Second Life offre a proposito di panorami, paesaggi, scene animate, etc.
Nei miei appunti non può mancare la parte teorica, cioè la descrizione di regole e schemi da tenere a mente per una buona composizione.
Parto dalla ben nota regola dei terzi, che consiste nel dividere idealmente la scena che si vuole fotografare in 9 riquadri, intersecando due linee orizzontali e due verticali.
Le righe orizzontali saranno ottimi riferimenti per posizionare l’orizzonte, mentre quelle verticali saranno utili per posizionare il soggetto principale.
Uno schema "figlio" della regola dei terzi consiste nell'utilizzare solo due assi, uno orizzontale e uno verticale, entrambi coincidenti con i terzi.
Molto usato nel paesaggio, l'asse orizzontale di solito coincide con l'orizzonte e quello verticale con un elemento del paesaggio (case, alberi, una strada, un fiume...). Sull'asse verticale si può disporre anche un soggetto umano, ottenendo così un ritratto ambientato.
Lo spazio vuoto che rimane sul terzo opposto si posiziona davanti allo sguardo del soggetto. In questo modo si crea un forte messaggio comunicativo e di aspettativa.
L'altrettanto nota regola della diagonale consiste nel fare in modo che nell'inquadratura vengano prodotte delle linee "di forza" che tagliano in diagonale il fotogramma sfruttando il soggetto, sia esso un pendio di una montagna, la linea di demarcazione di un bosco, un ruscello, delle rocce, una nuvola.
Si può utilizzare una sola diagonale, ascendente se va da sinistra a destra o dicendente nell'altro caso. Comporre lungo questi assi significa dinamicizzare molto la scena e il soggetto posto lungo la diagonale acquista particolare rilievo.
La scelta della diagonale dev'essere fatta compatibilmente con il senso di lettura che voglio dare all'immagine:
a. la linea ascendente provocherà un senso di elevazione del soggetto
b. la diagonale opposta sembrerà farlo cadere, ma anche accelerare.
Negli scatti a figura intera, bisogna scegliere bene la diagonale da usare, perchè un soggetto ripreso dal basso verso l'alto andrà posto sull'asse ascendente per rafforzare l'idea di "soggetto dominante"; al contrario, nella ripresa dall'alto verso il basso conviene disporre la figura sull'asse discendente.
(diagonale ascendente da sinistra a destra)
Nel caso di un'immagine di paesaggio, elementi come scale o strade possono risultare "naturalmente" inclinate.
Nei ritratti si può disporre un viso ripreso in primo piano lungo la diagonale per evitare una ripresa troppo statica, con l'avvertenza che il profilo verrebbe molto evidenziato e dunque il viso dovrebbe avere dei lineamenti delicati.
Per i paesaggi di solito si usano entrambe le diagonali al fine di creare una prospettiva e quindi dare tridimensionalità alla scena. Si dispongono quindi gli elementi su linee prospettiche tendenti verso un centro che non necessariamente deve coincidere con quello del fotogramma.
La composizione risulta facile con elementi che rappresentano già delle linee naturali, come strade, fiumi o le creste dei monti, ma si possono utilizzare entrambe le diagonali anche nel ritratto ambientato, a figura intera, spesso sfruttando la presenza di più soggetti nella scena, in modo tale che i corpi seguano le diagonali.
Un'altra buona pratica nella fotografia di paesaggio è quella di introdurre un primo piano "forte" che introduca la maestosità del paesaggio sullo sfondo. Esso può essere costituito ad es. da un animale, da fiori o alberi, da una roccia, da un ruscello, da un ramo spezzato. Il primo piano su tale soggetto conferirà maggior profondità all'immagine e la renderà più completa.
Ogni scena è composta da Forme, più o meno individuabili a colpo d'occhio. Più le forme sono precise, più da esse deriva simmetria e più è facile individuare la tematica della composizione, che richiama .
Possiamo fotografare tentando di dare una forma alla realtà o cercandone in essa. In entrambi i casi bisogna tener presente la simbologia trasmessa dalle varie forme alla memoria collettiva.
Un forma irregolare conferisce precarietà, instabilità, caos, frenesia.
Una forma triangolare può dare un senso di prospettiva,movimento e tensione.
Infatti le composizioni che sfruttano le diagonali altro non fanno che disegnare dei triangoli.
La forma rettangolare invece suggerisce un senso di ordine.
Le forme circolari esprimono calma, serenità, tranquillità. In un cerchio, ogni punto della circonferenza è distante dal centro come ogni altro punto, e dato che i punti del cerchio sono infiniti, ci sono infinite parti uguali, e quindi perfette.
In una composizione equilibrata, anche i colori devono essere bilanciati perchè a volte possono contribuire a creare un'illusione ottica di profondità e tridimensionalità, in quanto le zone più luminose/illuminate appaiono più vicine di quelle scure/ombreggiate. Più due colori sono lontani fra di loro sul disco cromatico, più è intensa la loro forza di contrasto.
I toni caldi fanno apparire gli oggetti in rilievo, mentre quelli freddi li fano sembrare piatti. Un esempio classico è il fiore rosso su sfondo verde.
Anche i colori sono associati ad una certa simbologia: il rosso esprime potenza, amore, passione. L'arancione calore, vitalità, sessualità. Il giallo solarità e luminosità. Il verde equilibrio, natura, perseveranza. Il blu serenità e profondità.
Altra regola compositiva è la regola del fulcro, da applicare quando sulla scena c'è un soggetto principale e altri soggetti secondari e si vuole comporli per avere equilibrio visivo.
Due oggetti di peso diverso si mantengono in equilibrio su un fulcro (proprio come sui piatti di una bilancia) se l'oggetto di peso maggiore viene avvicinato al fulcro oppure se quello di peso minore viene allontanato dal fulcro.
Due oggetti di egual peso saranno invece posti alla stessa distanza dal centro.
Nella scena, il fulcro è dato dal centro del fotogramma. I vari soggetti presenti nella scena li posiziono vicini o lontani dal centro a seconda del loro "peso". In uno still-life potremo avere oggetti con pesi o dimensioni "fisiche" diverse. In un ritratto saranno i soggetti ad avere una diversa importanza, saranno diversamente appariscenti, avranno dimensioni diverse. Ad esempio l'immagine di una mamma che accompagna un bambino, sarà composta mantenendo la madre al centro. Ugualmente in un paesaggio, seguendo la regola del fulcro, possiamo comporre i diversi elementi come alberi o case.
La distanza dal centro, oltre al peso "fisico" o all'importanza del soggetto può essere determinata anche dal colore. Un colore che avanza come il rosso sarà posto al centro rispetto ad un colore che arretra come per esempio il blu.
Nella foto qui sopra ho applicato due regole: quella della diagonale, ponendo il soggetto A in primo piano e leggermente inclinato verso sinistra, per dargli più enfasi, e il soggetto B in secondo piano, lontano dal fulcro, per farlo apparire come lontano.
Alcuni trucchi che ho imparato per ottenere buone composizioni:
1) non affollare o sovraccaricare la scena; meno soggetti o cose ci sono nella foto, più c’è la possibilità di metterne qualcuno in evidenza che capti l'attenzione.
2) creare dei punti di interesse; un bel paesaggio (per quanto belli possano essere definiti i paesaggi virtuali su Second Life), senza alcun oggetto o figura che attragga lo sguardo, passa inosservato, perchè si ha l'impressione di avere davanti una foto anonima e priva di vitalità.
3) utilizzare punti di vista non usuali; un fiore o una pianta fotografati dall'alto, oppure un palazzo ripreso dal basso, non destano alcun interesse, perchè la foto riproduce quello che siamo abituati a vedere nel modo in cui siamo abituati a guardare. Gli stessi soggetti, piante e fiori e palazzi, fotografati da una diversa prospettiva, sembreranno qualcosa di nuovo e di più interessante.
4) utilizzare le linee di fuga; ovvero utilizzare linee (ad esempio viali, strade, etc.) che “conducano” l’occhio dal bordo della scena verso il centro, vedrete che questo risulterà, una volta acquisita come tecnica, un ottimo modo di rendere una foto davvero interessante.
5) effettuare "tagli" intelligenti; sarebbe preferibile non tagliare le figure intere, ma se proprio la composizione della foto impone dei tagli, che siano almeno armoniosi! Per avere un "mezzo busto" equilibrato e simmetrico, i tagli devono tenersi lontani dalle giunture (gomiti, ginocchia, polsi etc.). Dovendo proprio “tagliare” un braccio al mio avatar, cerco di farlo al centro del braccio o dell'avambraccio, lontano dalla giuntura del gomito o del polso.
6) curare lo sfondo; strane luci o pali o foglie o altri oggetti che sembrano uscire dalla testa della figura, o un tetto che sembra un copricapo cinese (ancora non riesco a controllare la profondità di campo, quindi se il mio avatar è davanti ad una casa col tetto spiovente, in foto sembra avere una pagoda sulla testa) vanno accuratamente evitati, semplicemente cambiando inquadratura o prospettiva o percentuale di zoom.
7) tenere presente che la Regola Aurea afferma che la parte più importante di una immagine deve essere collocata vicino all'angolo in basso a destra dell'inquadratura (vedi regola dei terzi), in modo tale che un quarto dell'immagine si "protenda" verso l'alto ed un altro quarto si "allunghi" verso sinistra.
Ma perché proprio nell'angolo in basso a destra? Sostanzialmente perché, in teoria, noi "leggiamo" le immagini allo stesso modo in cui leggiamo un testo scritto: da sinistra verso destra e dall'alto verso il basso. Dal momento che la nostra "lettura" termina nell'angolo in basso a destra, allora questa è proprio la zona in cui noi concentreremo la nostra attenzione per un periodo di tempo maggiore, oppure dove ci soffermeremo maggiormente prima abbandonare la visione della foto.
